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Geschichte der
Innenarchitektur

Geschichte der Innenarchitektur

Innenarchitektur Geschichte

Mit dem Beruf des Innenarchitekten im Alter von etwas mehr als 100 Jahren beschäftigen wir uns mit den Wurzeln der Innenarchitekturgeschichte und den sieben legendären Dekorateuren, die sich einen Namen gemacht haben, als die Branche Anfang des 20. Jahrhunderts an Dynamik gewann. Von den alten Ägyptern bis zum Beginn der modernen Innenarchitektur finden Sie hier alles, was Sie wissen müssen.

Es mag ein bisschen elementar erscheinen, aber beginnen wir mit den Grundlagen der Innenarchitektur. Innenarchitektur ist definiert als die Kunst und Wissenschaft, das Innere eines Raumes zu verbessern, um eine polierte und ästhetisch ansprechende Umgebung zu schaffen. Ein Innenarchitekt ist jemand, der darin geschult ist, Pläne auszuführen, zu recherchieren, zu koordinieren und dekorative Projekte mit Autorität zu verwalten. Der Beruf des Innenarchitekten ist vielfältig und umfasst Raumplanung, Konzeptentwicklung, Standortinspektionen, Programmierung, Recherche, Kommunikation mit den Kunden, Projekt- und Bauleitung und natürlich die Ausführung des gewünschten Entwurfs.

Bevor der Beruf an Bedeutung gewann, wurde die Innenarchitektur instinktiv eingeführt, um eine strikte Abstimmung mit der Architektur der Gebäude zu gewährleisten. Der Beruf des Innenarchitekten kam mit dem Aufstieg der bürgerlichen Gesellschaft und der komplizierten Architektur, die während der industriellen Revolution an Popularität gewann. Das Bestreben, den Raum optimal zu nutzen, sowie die Aufmerksamkeit für das Wohlbefinden der Benutzer und das funktionale Design fördern weiterhin die Entwicklung und die lebensverbessernden Möglichkeiten der heutigen Iteration für den Beruf des Innenarchitekten. Der Beruf des Innenarchitekten unterscheidet sich jedoch deutlich von der Arbeit eines Innenarchitekten, einem in den USA häufiger verwendeten Spitznamen. Der Begriff Innenarchitekt wird in Großbritannien seltener verwendet, wo der Beruf des Innenarchitekten unreguliert bleibt und leider

Bereits im alten Indien waren Architekten Innenarchitekten, um ihre gesamte Vision zu verwirklichen. Dies geht aus den Referenzen des Architekten Vishwakarma hervor – eines der Götter der indischen Mythologie. Diese Referenzen enthalten Skulpturen, die alte Texte und Ereignisse illustrieren, die in Palästen aus dem 17. Jahrhundert in Indien zu sehen sind.

Im gesamten alten Ägypten wurden „Seelenhäuser“ oder Häusermodelle in Gräbern als Gefäße für Speiseangebote geschenkt. Aus diesen eindrucksvollen Schmuckstücken lassen sich Hinweise auf die Innenausstattung verschiedener Wohnhäuser in mehreren ägyptischen Dynastien entschlüsseln, einschließlich Aktualisierungen von Belüftung, Portiken, Säulen, Loggien, Fenstern und Türen.

Art-Deco-Innenarchitektur-Themen

Während des 17. und 18. Jahrhunderts und bis in die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts hinein war die Innenausstattung ein ausschließliches Anliegen der Hausfrau oder eines professionellen Polsterers oder Handwerkers, der aufgrund seines künstlerischen Blicks für die Innenausstattung eines Hauses sicher beraten konnte. Übrigens wandten sich Architekten auch an Handwerker und Handwerker, um Innenarchitektur für ihre Gebäude zu schaffen.

Die Praxis der Innenarchitektur geht auf die alten Ägypter zurück, die ihre naiven Lehmhäuser mit Grundausstattung aus Tierhäuten, einfachen Textilien, grafischen biografischen und spirituellen Wandgemälden, Skulpturen und bemalten Urnen dekorierten. Verzierte Goldverzierungen, die in ägyptischen Gräbern (wie König Tutanchamuns) und Schmuckstücken gefunden wurden, betonten die Notwendigkeit einer markanteren Dekoration, um die reicheren und mächtigeren Ägypter zu symbolisieren.

Römische und griechische Zivilisationen haben die ägyptische Kunst der Innenarchitektur und des Accessoires weiterentwickelt, indem sie den bürgerlichen Stolz durch die Erfindung von öffentlichen Gebäuden mit Kuppeldach gefeiert haben. Aufwendige griechische Holzmöbel waren für ihre Häuser mit aufwendigen Elfenbein- und Silberdekorationen verziert, während sich die Römer darauf konzentrierten, Schönheit und Komfort zu verbinden. Römische Möbel bestanden oft aus Stein, Marmor, Holz oder Bronze und wurden durch Kissen und ausdrucksstarke Wandteppiche bequem gemacht. Um ihre Häuser zu verbessern, brachten sowohl Römer als auch Griechen Vasen mit und schufen faszinierende Mosaikböden sowie Wandmalereien und Fresken, um ihre Räume für sie einzigartig zu machen.

die Geschichte der Innenarchitektur

Nach dieser Zeit der dekorativen Ornamentik kam es aufgrund der anhaltenden Kriege im gesamten mittelalterlichen Europa und des Aufstiegs der christlichen Kirche zu einer plötzlichen Bewegung zur Genauigkeit. Die Geschichte des Innendesigns, die aus gutem Grund das dunkle Zeitalter geprägt hat, bestand aus düsteren Holzvertäfelungen, minimalen und ausschließlich praktischen Möbeln und Steinplattenböden. Selbst wohlhabendere Gönner dieser Zeit hielten sich an gedämpfte, ernüchternde Farben, wenn sie dekorative Extras wie Wandteppiche und Mauerwerk hinzufügten.

Nach dem Mittelalter wurden die Europäer erneut dazu inspiriert, Farbe und dekorative Ornamente in ihre Häuser zu bringen. Während des 12. Jahrhunderts wurde ein dunkelromantischer gotischer Stil geschaffen, um das natürliche Licht und die frisch beliebten offenen Innenräume optimal zu nutzen.

Aufschlüsselung der Geschichte der Innenarchitektur

Während des 15. und 16. Jahrhunderts begann die französische Renaissance einen erneuten Fokus auf Kunst und Kreativität in der Innenarchitektur. Die damaligen Architekten begannen, Häuser mit bedeutenden dekorativen Noten zu schaffen, darunter Marmorböden, kunstvoll eingelegte Holzarbeiten, Gemälde und Möbel aus den besten Materialien. Ein kurzer Blick auf die königlichen Paläste, Villen und Kapellen der Epoche wird mit Sicherheit das Beste der Innenarchitektur der Renaissance hervorheben.

Nach der Renaissance eroberten komplizierte und komplexe italienische Barockentwürfe Europa. Das Schloss von Versailles in Frankreich zum Beispiel verwendete bemerkenswert barocke Innenarchitekturelemente wie farbigen Marmor und Stein, Buntglas, kunstvoll bemalte Decken und spiralförmige Säulen. Bis zum 18. Jahrhundert machten europäische Innenarchitekten den Rokoko-Stil immer beliebter, während sie Einfluss auf asiatisches Steinzeug, Blumendrucke und Möbel mit exotischen Details wie Elfenbein und Perlmutt nahmen. Dann kam der neoklassizistische Look des späten 18. Jahrhunderts, eine entfernte Interpretation der berühmten Designelemente, die im alten Rom mit der Verwendung von farbenprächtiger Seide, Satin und Samt gefunden wurden.

Ab dem frühen 19. Jahrhundert wurde in Europa und Amerika häufig mehr Freiheit und Eklektizismus in der Innenarchitektur gefunden. Und in den nächsten zwei Jahrhunderten kam und ging eine Reihe innovativer und moderner Innenarchitekturbewegungen aus der Mode, als sich die Zeiten änderten, darunter Art Deco, Jugendstil, viktorianischer und industrieller Bauhausstil. Das 19. Jahrhundert brachte jedoch die ultimative Wertschätzung und Popularisierung der Innenarchitektur. Die Möglichkeiten der lebensverbessernden Innenarchitektur, die nicht mehr nur königlichen Gebäuden und Häusern wohlhabender Bürger vorbehalten waren, erreichten Ende des 19. Jahrhunderts kritische Massen.

Innenarchitekten Geschichte

Und im 20. Jahrhundert wurde Funktionalität zu einer Schlüsselkomponente in der Herangehensweise an die Innenarchitektur, da die zunehmende Präsenz von Haushaltsgeräten wie Öfen, Waschmaschinen und Fernsehgeräten eine neue Herausforderung für Innenarchitekten darstellte, die Räume mit mehr als nur Ästhetik gestalten mussten Gründe im Auge.

Und als sich das 20. Jahrhundert drehte, arbeiteten unerfahrene Designer und zahlreiche Publikationen zunehmend daran, den Einfluss der großen, gehobenen Einzelhandelsgeschäfte auf die Welt des Innendesigns zu überwinden. Zuvor hatte die feministische englische Autorin Mary Haweis in den 1880er Jahren eine Reihe populärer Essays verfasst, in denen sie die Aufregung einer aufstrebenden Klasse bürgerlicher Menschen verspottete, die ihre Häuser hastig um die strengen, aber milden Grenzen einrichten wollten, die ihnen durch das Diktieren von Einzelhandelsgeschäften geboten wurden. Ihre Antwort war, dass die Menschen die Gelegenheit nutzen sollten, um eine bestimmte Interpretation eines Designstils zu kreieren, der speziell auf ihre Bedürfnisse und ihren Lebensstil zugeschnitten ist. „Eine meiner stärksten Überzeugungen und eine der ersten Kanonen guten Geschmacks ist, dass unsere Häuser, wie die Fischschale und das Vogelnest, unseren individuellen Geschmack und unsere Gewohnheiten repräsentieren sollten“, schrieb sie.

Der langsame Übergang zur dekorativen Kunst, der neben der Weisheit der Verkäufer von Herstellern und Einzelhändlern als individueller künstlerischer Beruf angesehen wird, wurde 1899 mit der Gründung des Institute of British Decorators verstärkt. mit John Dibblee Crace als Präsident. Das Institut vertrat über 200 Innenarchitekten im ganzen Land. Und bis 1915 gab es im London Directory eine erhöhte Liste von 127 Personen, die als professionelle Innenarchitekten arbeiteten, von denen nur 10 Frauen waren. Rhoda und Agnes Garrett waren die ersten bekannten Frauen, die 1874 professionell als Wohndesigner ausgebildet wurden. Die Bedeutung ihrer Designarbeit wurde zu dieser Zeit als parallel zum legendären Innenarchitekten William Morris angesehen. Im Jahr 1876 festigte ihr Leitfaden –  Vorschläge für die Hausdekoration in den Bereichen Malerei, Holzarbeiten und Möbel  – ihre Autorität weiter und verbreitete ihre Ansichten zu künstlerischen Ansätzen der Innenarchitektur für eine designhungrige Mittelschicht.

traditionelle Innenausstattung des Esszimmers

„Bis vor kurzem, als ein Mann einrichten wollte, besuchte er alle Händler und wählte Stück für Stück Möbel aus. Heute schickt er einen Händler für Kunstmöbel, der alle Räume im Haus überblickt und seine künstlerischen Gedanken einbringt das Thema  betreffen “, schrieb The Illustrated Carpenter and Builder 1900.

Zurück in Amerika ermutigte Candace Wheeler, die als eine der ersten weiblichen Innenarchitekten gilt, eine völlig neue Sichtweise des amerikanischen Innendesigns. Sie war eine Schlüsselfigur bei der Entwicklung der ersten Kurse für Innenarchitektur für Frauen in einer Reihe wichtiger amerikanischer Zentren und wurde zu dieser Zeit als maßgebliche Autorität für Wohnkultur gefeiert. Ein weiterer herausragender Einfluss auf den neu kategorisierten Dekorationsberuf war  die Dekoration von Häusern, ein weithin gelesener und konsultierter Leitfaden zur Innenarchitektur, der 1897 von Edith Wharton und dem Architekten Ogden Codman verfasst wurde. In dem populären Buch hielten die Autoren Inneneinrichtung und Innenarchitektur im viktorianischen Stil für irrelevant. Nicht mehr lebensfähig waren die kalten, dunklen und launischen Häuser, die mit schweren Möbeln, viktorianischen Accessoires und getufteten, überfüllten Sitzgelegenheiten dekoriert waren. Sie betrachteten den Designstil als zu wichtig für Polstermöbel anstatt für vernünftige Raumplanung und architektonische Details, was Räume trostlos, unbequem, unantastbar und daher allzu kostbar machte. Ihr Buch gilt immer noch als wegweisender Moment, und ihr Erfolg hat den Aufstieg professioneller Innenarchitekten vorangetrieben, die ähnliche Standpunkte einnehmen.

Wie Sie sehen können, hat die Welt des Innendesigns einen bemerkenswerten Weg zurückgelegt, seit die alten Ägypter als Designer heute uneingeschränkten Zugang zu einer endlosen Menge von Designbewegungen, Möbelstilen und Einflüssen aus der Vergangenheit haben. Aber es sind wirklich die sieben Innenarchitekten, auf die wir uns hier konzentrieren, die unsere Herangehensweise an Innenarchitektur wirklich zum Besseren verändert haben.

Zeitleiste der Geschichte der Innenarchitektur:

Steinzeit 6000 bis 2000 v

Das erste Anzeichen für eine Herangehensweise an die Innenarchitektur wurde in prähistorischen Wohnhäusern mit Flora und Fauna festgestellt. Diese Wohnungen bestanden aus Schlamm, Tierhäuten und Stöcken.

Neolithisches Europa 2000 bis 1700 v

Es kommt die erste definierte handgefertigte Keramik, die sowohl aus praktischen als auch aus dekorativen Gründen verwendet wurde.

Altes Ägypten 2700

Mit dem Aufstieg der königlichen Familien lebten zum ersten Mal Menschen in Strukturen neben Lehmhütten. Die neuen Strukturen waren mit Wandgemälden ausgestattet, die ihre Geschichte und ihren Glauben darstellten. Und sie hatten grundlegende Möbel und dekorative Gegenstände wie Vasen und Skulpturen – zum ersten Mal gesehen.

Griechisches Reich 1200 bis 31 v

Dank der Fortschritte in der Zivilisation und im Lebensstil dekorierten die Bürger ihre Häuser zum ersten Mal in ihrem eigenen einzigartigen Stil mit wohlhabenderen Griechen, deren Möbel mit verzierten Elfenbein- und Silberdetails verziert waren. In dieser Zeit waren ikonische und aussagekräftige Säulen und Säulen Schlüsselmotive, und die Griechen schufen auch Standardregeln und -verfahren für den Hochbau.

Römisches Reich 753 v. Chr. Bis 480 n. Chr

Ein strenges Zeitalter, in dem Royals ihren Reichtum nicht einfach durch ihre Häuser hervorrufen konnten. Die Römer schmückten ihre Häuser mit Wandgemälden und Mosaiken, und die Möbel waren mit Krallenfüßen versehen.

Das dunkle Zeitalter 900 bis 1500

Im Mittelalter gab es kein Interesse an Innenarchitektur, da sich die Menschen für einfache getäfelte Holzwände, minimale Möbel und Steinplattenböden entschieden.

Das Byzantinische Reich 500 bis 1500

In dieser Zeit standen Grande Domes und dekadentes Dekor im Mittelpunkt.

Die Renaissance von 1400 bis 1600

Die Schönheit des Innendesigns war während der Renaissance ein Hauptmerkmal mit großartigen Möbeln und Kunstwerken in lebendigen Farben und luxuriösen Textilien wie Seide und Samt sowie Marmoroberflächen. Und da Teppiche selbst für die reichsten Gönner zu kostbar und zu teuer waren, wurden sie nach Möglichkeit als Wandkunst verwendet.

Gotik 1140 bis 1400

Als Reaktion auf das dunkle Zeitalter waren dekorative Ornamente und kräftige Farben erneut herausragende Merkmale der Inneneinrichtung. Zwei Markenzeichen der bis heute übertragenen Ära sind mehr Fenster für hellere Häuser sowie offene Grundrisse.

Barock 1590 bis 1725

Prunkvolle und äußerst reiche künstlerische Elemente sorgten für ein Rezept prächtiger Innenausstattung mit Buntglas, gedrehten Säulen, farbigem Marmor, bemalten Decken, vergoldeten Spiegeln und übergroßen Kronleuchtern.

Traditionelle 1700 bis heute

Dekorationsideen für Schlafzimmer im traditionellen Stil

Das traditionelle Innendesign, das von einem formalen Geist verkörpert wird, ist bis heute eine tragende Säule. Traditionelles Innendesign ist ein weit gefasster Begriff, der verschiedene Designstile und Bewegungen hervorhebt, die nicht auf eine bestimmte Richtung oder einen bestimmten Geist festgelegt sind.

Traditionelles Design zelebriert die illustre, reiche Geschichte der Vergangenheit, indem es sie mit ausgesprochen modernen Elementen kontrastiert, um das schöne Design elegant zu gestalten und gleichzeitig das europäische Dekor des 18. und 19. Jahrhunderts hervorzuheben. Es ist ein zeitloser Designstil, der einfachen Glamour und Komfort hervorruft und eine großartige Richtung für diejenigen ist, die Antiquitäten, klassische Kunst, Symmetrie und geschichtsträchtiges Design schätzen.

Rokoko 1700

Das Rokoko-Innendesign ist ein überaus eleganter und aufwändig detaillierter Designstil, der sich an botanischen Silhouetten orientiert und einzigartige Elemente wie Schildpatt- und Perlenverzierungen sowie asiatisches Porzellan aufweist.

Die industrielle Revolution 1760 bis 1820

Industriestil Home Design

Während der gesamten industriellen Revolution war das Innendesign einem breiteren Publikum zugänglich und für die allgemeine Bevölkerung leichter zugänglich als je zuvor. Dies ist zum großen Teil auf einfachere Druckprozesse zurückzuführen, die eine breite Verbreitung von Mode- und Lifestyle-Veröffentlichungen schaffen, und auf die Tatsache, dass Luxusartikel zunehmend erreichbar wurden.

Neoklassizistischer Stil 1780 bis 1880

In dieser Zeit wurden Möbel aus Bronze und Gold sowie Polstermöbel aus Seide, Samt und Satin verwendet, die sich von den antiken griechischen und römischen Kulturen für architektonische Details und Motive inspirieren ließen. Der Trend, Tapeten und Möbel aufeinander abzustimmen, setzte sich ebenfalls durch.

Tropische 1880er bis heute

Während das britische Imperium durch Länder wie Indien und Gebiete wie Westindien fegte, kombinierten sie Innenarchitekturelemente aus ihrem Heimatland und den Regionen, die sie besetzten, um eine berauschende Mischung aus Tradition und Extoik zu schaffen.

Ästhetische Bewegung 1800 bis heute

Mit Blick auf „Kunst um der Kunst willen“ war die ästhetische Bewegung eine Möglichkeit für Radikale, ihre Abneigung gegen aktuelle, müde Innenarchitektur auszudrücken. Der Schlüssel lag hier in der Praktikabilität und Funktion, die vor der Schönheit an Bedeutung gewinnen.

Toskanische 1840er bis heute

In Anlehnung an die charmante und beruhigende Natur der Toskana in Italien lag der Schwerpunkt der Innenarchitektur in dieser Zeit auf unkomplizierter Einfachheit mit einem Hauch von Luxus.

Kunsthandwerk 1860 bis 1910

Um ihre Opposition gegen Massenware aufgrund der Innovationen der industriellen Revolution hervorzuheben, wandten sich die Menschen bei der Herstellung von Möbeln dem traditionellen Handwerk und den klassischen Elementen zu.

Rustikale 1870er bis heute

rustikale Dekor Textilien

Das rustikale Innendesign besteht aus handgefertigten Möbeln und großen, offenen Räumen mit Holzbalken und Säulen.

Das rustikale Dekor bietet die perfekte Kombination aus komfortablem, unkompliziertem Design und praktischem, funktionalem Dekor, um ein warmes, rustikales Interieur zu schaffen. Natürliche Materialien bilden die Grundlage und den Ausgangspunkt für die Schaffung einer beneidenswerten rustikalen Wohnkultur, die die authentische Schönheit natürlicher Materialien zelebriert, um einen gemütlichen, schönen Raum zu schaffen.

Moderne 1880 – 1940

Die modernistische Bewegung betonte Einfachheit, Klarheit der Form und lehnte Lärm im Design ab. Zu den führenden Persönlichkeiten der Bewegung zählen Mies van der Rohe, Le Corbusier und Eero Saarinen, deren Unterschriften in seinem für immer beliebten Saarinen-Tisch und Saarinen-Stuhl der Inbegriff des Designstils sind.

Jugendstil 1890 bis 1920

Die Begeisterung hinter der Jugendstilbewegung bestand darin, natürliche Silhouetten einzuführen, die von botanischen Elementen abgeleitet wurden, die der Ära ihre charakteristischen geschwungenen Linien und organischen Formen verliehen.

Koloniale Wiederbelebung 1905 bis heute

Das in den USA beliebte und durch das hundertjährige Jubiläum beflügelte Colonial Revival wurde von den neoklassizistischen und georgianischen historischen Stilen inspiriert. Einige glauben, dass die Einführung des Automobils das mit Abstand beliebteste Stil der Zeit bis zum Zweiten Weltkrieg war und das Interesse der Menschen an historischen Referenzen geweckt hat, da sie dokumentierte Sehenswürdigkeiten frei besuchen konnten.

Eklektische 1900er bis heute

vielseitiges Innendesign

Einige Historiker weisen darauf hin, dass immer mehr Innenarchitekten benötigt werden, die verstanden haben, wie man verschiedene Designstile mit Autorität für die starke Zunahme von Designern in der Branche mischt, da der vielseitige Stil die ästhetische Inspiration übernahm.

Bei einem vielseitigen Stil dreht sich alles um Harmonie und das Zusammentreffen unterschiedlicher Stile, das Nebeneinander von Texturen und kontrastierenden Farben, um einen zusammenhängenden, wunderschön realisierten Raum zu schaffen, der in einem Wohnkulturmagazin nicht fehl am Platz wäre, da dies ein Designstil ist, der Schwung nimmt und ein tolles Auge. Und da es bei der vielseitigen Innenausstattung nur um Experimentieren und Spielen geht, haben Sie Spaß mit der Freiheit, die sie bietet.

Moderne 1918 bis 1950

Mit einem Fokus auf spärliche Innenräume und kräftige Grundfarben verzichtete das moderne Innendesign auf die damals typisch verzierte und überdekorierte Designästhetik.

Bauhaus 1920 – 1934

Die Bewegung wurde bis heute für ihre großartigen, aber minimalen und wunderschön ausgeführten Gesten gefeiert und vom deutschen Architekten Walter Bauhaus gegründet, der auch die Bauhaus- Schule für Kunst und Design in Weimar, Deutschland, gründete. Sie brachte schnell einige der einflussreichsten Architekten, Bildhauer und Grafiker hervor Designer, Möbelhersteller und Design-Außenseiter der Mitte bis Ende des 20. Jahrhunderts.

Land 1920 bis 1970

schöne moderne Land Design Ideen

Mit Noten aus traditionellen Bauernhäusern war der Landhausstil praktisch, aber mit hochwertigen, vintage-inspirierten Möbeln.

Die heutige Interpretation des modernen Landhausstils der Innenarchitektur ist ein idyllischer Klassiker. Weg von einem rein traditionellen Country-Design-Stil; Das moderne Land erlaubt spielerischere und nuanciertere Aspekte zusammen mit minimalen Noten.

Art Deco 1920er bis 1960

Materialien für die Innenausstattung im Art-Deco-Stil

Diese Bewegung bietet eine berauschende Mischung aus Designstilen des frühen 20. Jahrhunderts, darunter Konstruktivismus, Kubismus, Moderne, Bauhaus, Jugendstil und Futurismus. Art Deco, einer der bekanntesten Einrichtungsstile, stand für Modernität, alltäglichen Glamour und Eleganz. Die Ära beruhte stark auf klaren Linien, unkomplizierten eckigen Formen, kräftigen Farben und stilisierten Mustern wie Zick-Zack und optischen Figuren. Für zusätzlichen Glamour waren kunstvolle Verzierungen und metallische Oberflächen ebenfalls Markenzeichen der Ära.

Die im Art-Deco-Innendesign verwendeten Materialien sind glatt und reflektierend für den alltäglichen Glamour im Haushalt. In diesem Stil sind viele Metallics vorhanden. von Gold bis Silber, Edelstahl und Chrom. Sie verleihen jedem Raum ein elegantes und luxuriöses Gefühl und können überall verwendet werden. Stellen Sie sich ein modernes Art-Deco-Wohnzimmer mit einem goldenen Couchtisch mit Glasplatte, Chromlampen und einem kühnen geometrisch gemusterten Teppich in Schwarz, Gold und Weiß vor. Glas ist auch ein häufig verwendetes Material im Art-Deco-Design. Ob durch Spiegel, Tische mit Glasplatte, skulpturale Elemente oder eine Art-Deco-Vase oder -Lampe – Glas trägt zum eleganten Ambiente eines Art-Deco-Raums bei.

Mittelmeer 1920er bis heute

Um das Gefühl der europäischen Küstenländer hervorzurufen, wurden Texturen aus Terrakotta, Stein und gemusterten Fliesen sowie Schmiedeeisen und aquatische Farbtöne stark hervorgehoben.

Surrealismus 1925 bis 1930

Surrealisten wie berühmte Künstler wie Salvador Dali, André Breton und Max Ernst nutzten diese Avantgarde-Bewegung, um die Menschen von ihren Assoziationen zu dem zu befreien, was in Design, Musik, Kunst und sogar Innenarchitektur normal und letztendlich vorhersehbar war.

Mid-Century Modern 1930er bis heute

Mitte des Jahrhunderts moderne Schlafzimmer Innenarchitektur

Obwohl der Begriff Mitte des Jahrhunderts modern erst Mitte der 80er Jahre geprägt wurde und niemand wirklich weiß, dass es sich um eine echte Zeitachse handelt, repräsentiert die Ära eine Kombination aus Praktikabilität nach dem Zweiten Weltkrieg, Optimismus der 50er Jahre, Erdigkeit der 60er Jahre und Tönen der 70er Jahre und Texturen, die ordentlich in eine stilvolle Ode an die skandinavische Einfachheit eingewickelt sind.

Nennen wir es eine Reaktion auf die Dekadenz und die vergoldete Verstopfung von Innenarchitektur und Architektur bis in die 40er Jahre, wenn man so will, wie zum Zeitpunkt seiner Einführung, war das moderne Dekor der Mitte des Jahrhunderts eine völlige Widerlegung und ein Neustart für die Sinne.

Die Stimmung ist frisch und poppig, im Retro-Stil gehalten und mit ihrem Engagement für Komfort und Funktionalität, verpackt in wunderschönem Design, das nie aus der Mode kommt, absolut verführerisch. Im Gegensatz zu anderen ästhetischen Bewegungen ist das moderne Dekor der Mitte des Jahrhunderts im Design rationalisiert, da die Form der Funktion folgt und gleichzeitig die verwendeten Materialien hervorhebt, anstatt sie zu etwas zu machen, das sie nicht sind.

Skandinavische Moderne 1930er Jahre bis heute

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Diese Bewegung unterstreicht die Vorzüge schön gestalteter, praktischer Objekte, die sowohl leicht erschwinglich als auch zugänglich sind, weshalb die Bewegung bis heute beliebt ist.

Das skandinavische Innendesign gehört zur Schule der Moderne und ist eine Designbewegung, die sich durch einen Fokus auf Funktionalismus und Einfachheit auszeichnet. Dazu gehört auch die Verwendung natürlicher Materialien wie Leder, Holz und Hanf. Darüber hinaus wird ein skandinavisches Innendesign häufig von einer Verbindung zur Natur beeinflusst, die natürliche Formen, Abstraktion und die Verwendung natürlicher Elemente kombiniert.  

Übergang der 1950er Jahre bis heute

Übergangsmischung Innenarchitektur

Mit der Erfindung des Fernsehers und seiner Bekanntheit in den meisten Haushalten in den USA hat die Innenausstattung der Geräte mehr denn je dazu beigetragen, den Appetit der Massen auf Dekor zu stillen.

Der Übergangsstil bezieht sich auf eine Mischung aus traditionellen und modernen Möbeln, Erfindungen und dekorativen Merkmalen, die Ihnen mehr Freiheit geben, wenn Sie Ihr Zuhause mühelos dekorieren möchten, da die Richtungen, in denen Sie den Designstil wählen können, kein Ende haben. Übergangs-Innenarchitektur ist im Wesentlichen die Kombination verschiedener Designstile, die gleichzeitig zusammengeführt werden, um ein zusammenhängendes Design in einem Raum zu schaffen.

Postmodernismus 1978 – Heute

Diese Bewegung wurde als Herausforderung für das geboren, was die Menschen als die generische Milde der modernistischen Bewegung betrachteten. Eine der Hauptfiguren war der italienische Architekt und Designer Ettore Sottsass mit seinen charakteristischen verspielten Formen, abstrakten Drucken und kraftvollen Farbgeschichten.

Zeitgenössische 1980er bis heute

zeitgenössische Innenarchitektur

Zeitgenössisches Innendesign ist klassisch, aber dennoch aktuell und zeitlos dank einer leichten, sparsamen Dekoration, um sicherzustellen, dass es sich nie veraltet anfühlt.

Während sich modernes Dekor kalt, einschränkend und zu minimal anfühlt, wirkt der zeitgenössische Stil beruhigend und gelassen und konzentriert sich auf architektonische Elemente, dekorative Details, die Aufmerksamkeit auf kräftige Maßstäbe und eine präzise Farbpalette, um mit Leichtigkeit einen warmen Raum zu schaffen Raffinesse.

Einfachheit, klare Linien, Texturspiel und leises Drama sind von grundlegender Bedeutung, um ein perfekt ausbalanciertes Zuhause im zeitgenössischen Stil zu schaffen.

Elsie de Wolfe

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Elsie de Wolfe wurde als „Amerikas erste Innenarchitektin“ bezeichnet und war so opulent wie die Zimmer, die sie dekorierte, wie sie oben in Elsa Schiaparellis legendärem vergoldetem Starburst-Haute-Couture-Mantel abgebildet ist. Das legendäre de Wolfe bietet eine Biografie, die sowohl romantisch als auch abenteuerlich ist. Nachdem sie in Schottland ausgebildet und am Hof ​​der Königin Victoria vorgestellt worden war, kehrte sie in die USA zurück und wurde Schauspielerin, wo sie eine einzigartige „Bostoner Ehe“ (eine Bezeichnung für zwei alleinstehende Frauen, die aus Henry James ‚ The Bostonians zusammenleben ) mit erfolgreicher Literatur teilte  Agentin und Liebhaberin Elisabeth Marbury.

Ihr Bühnenstil und ihre Kostüme – Couture-Gewänder aus Paris – machten sie zu einer einflussreichen Geschmacksmacherin unter den Zuschauern ihres Publikums und machten sie zur bestgekleideten Frau der Welt. Ihr erster Ausflug in die Innenarchitektur bestand darin, das dunkle und grüblerische viktorianische Dekor in dem Haus, das sie und Marbury teilten, völlig zu meiden. Nachdem sie ihre Residenz erfolgreich umgestaltet hatte, indem sie das stark verzierte Interieur auflöste, vereinfachte und minimierte, erhielt sie als erste Innenarchitektin einen Designauftrag.

Diese Kommission sollte New Yorks ersten Elite-Social-Club für Frauen, den berühmten Colony Club, schmücken – mit einer Reihe bemerkenswerter Mitglieder mit Nachnamen wie Whitney, Morgan, Harriman und Astor. De Wolfe wurde bald zur beliebtesten Innenarchitektin ihrer Zeit und veröffentlichte 1913 das erste Buch über Innenarchitektur mit dem Titel „Das Haus mit gutem Geschmack“.

Sie feierte das Unerwartete, indem sie Tierdrucke mit Chinoiserie mischte, eine Affinität zu Regency- und Chippendale-Stilen sowie zu Schwarz-Weiß-Farbschemata hatte und eine Pionierin bei der Darstellung der Farbe Beige im Dekor war.

Zu ihren bemerkenswertesten Projekten gehören die Häuser von Condé Nast, den Fricks und den Hewitts. Ihre anti-viktorianische Haltung und ihre helleren, luftigeren und weniger komplizierten und minimalistischeren, raffinierten Zimmer sind bis heute beliebt.

Jean-Michel Frank

Jean Michel Frank Innenarchitektur Geschichte

Es sollte nicht überraschen, dass Künstler routinemäßig Inspiration aus der Welt um sie herum finden, und es ist leicht vorstellbar, wie berauschend das Paris der 1930er Jahre auf den berühmtesten Dekorateur und Innenarchitekten der Ära, Jean-Michel Frank, wirkt. Glücklicherweise konzentrierten sich seine Projekte oft darauf, Picassos und Braques in den von ihm dekorierten Räumen zu platzieren, und zu seiner Gruppe einflussreicher Freunde gehörten alle von Pariser Künstlern am linken Ufer wie Man Ray und Prominente wie die Rockefellers.

Als Minimalist mit einer reichen Neigung betrachtet, macht seine Schichtung des göttlichen Maximalismus seine Arbeit umso faszinierender und inspirierender. Als Möbeldesigner waren seine Silhouetten reduziert und subtil und mit luxuriösen Details versehen. Denken Sie an komplizierte Glimmerschirme, Bronzetüren, Accessoires aus Quarz und die Serie von Möbeln mit Shagreen-Bezug und Clubstühlen aus Schaffell, die er für den sagenumwobenen Luxusgüterhersteller Hermès entworfen hat. Weiß war ein charakteristischer Farbton von ihm, den er gleichzeitig sparsam und komplex erscheinen ließ. Frank wird auch die Gestaltung eines der kultigsten minimalistischen Möbelstücke der Geschichte zugeschrieben – des Parsons-Tisches -, den er häufig mit den luxuriösesten Oberflächen bedeckte.

Zusammen mit einem studierten Auge für großartiges Design und einem Instinkt für beste Qualität nahm Frank Elemente des täglichen Lebens auf, um einen Raum zugänglicher, einladender und realistischer zu machen. Noch heute wird seine Arbeit in Museen gefeiert, seine Einrichtung schafft rekordverdächtige Auktionen, und Sie können sogar Reproduktionen seiner berühmtesten Stücke kaufen, die für Hermès entworfen wurden.

Schwestergemeinde

Innenarchitektur Geschichte Schwestergemeinde

Sister Parish ist dafür bekannt, dass sie den amerikanischen Country-Look kreiert, einen der nachhaltigsten Designstile des letzten halben Jahrhunderts. Geboren in Privilegien und Abstammung, wurde der amerikanische Country-Look von Parish aus ihrer Sicht auf English Country verwirklicht, wenn auch mit mehr Wärme, Charakter und einer hausgemachten und charmanten Anziehungskraft.

Sie begann ihre Karriere als untrainierte Hausfrau, die ihr Zuhause mit viel Fanfare dekorierte. Nachdem Hadley die Aufmerksamkeit anderer High-Society-Hausfrauen auf sich gezogen hatte, die sie beauftragten, ihre eigenen Häuser neu zu gestalten, nahm sie die Notwendigkeit eines erschwinglichen Designs während der Weltwirtschaftskrise zur Kenntnis und stellte sich als „Budget-Dekorateurin“ für diejenigen in Rechnung, die ihre Häuser während der Herausforderung auffrischen möchten wirtschaftliche Zeiten der Ära.

Ihr dekorativer Stil war eine völlige Ablehnung der Sammlung schwerer, dunkler Antiquitäten ihres Vaters, da sie sich mehr zu femininen tickenden Streifen, glasiertem Chintz, Steppdecken, Hakenteppichen und informellen überfüllten Sesseln neigte und dabei Elemente aus der Vergangenheit einbezog.

„Innovation ist oft die Fähigkeit, in die Vergangenheit zu greifen und das Gute, das Schöne, das Nützliche und das Dauerhafte zurückzubringen.“

Ihre Entwürfe waren romantisch, warm und elegant für Kunden wie Brooke Astor, aber sie war bekannt für ihre ätzende, einschüchternde Figur und unversöhnliche Einschätzung der Räume ihrer Kunden.

In der Designfirma von Parish haben sich neben ihr viele einflussreiche Designer einen Namen gemacht, darunter der legendäre Albert Hadley, mit dem sie über 30 Jahre lang zusammengearbeitet hat. Ihre berufliche Beziehung wird oft als eine der erfolgreichsten Kooperationspartnerschaften in der Welt von angesehen Innenräume bis heute.

Albert Hadley

Innenarchitektur Geschichte Albert Hadley

Albert Hadleys Projektportfolio gilt als Vater des Übergangs-Innendesigns, das für seine meisterhafte Kombination aus Glamour und Funktionalität gefeiert wird und oft als „Dekan der amerikanischen Dekorateure“ bezeichnet wird. Das Projektportfolio von Albert Hadley enthielt Namen der High Society wie Rockefeller, Astor, Getty und Mellon .

Für Hadley fanden jedoch nie hochkarätige Namen statt, die über brillantes Design verfügten. „Namen sind wirklich nicht der Punkt“, sagte er 2004 gegenüber dem  New Yorker  Magazin. „Es ist das, was man für die einfachste Person erreichen kann.“ Glamour ist ein Teil davon, aber Glamour ist nicht die Essenz. Beim Design geht es um Disziplin und Realität, nicht um Fantasie jenseits der Realität. “

Der in Tennessee geborene Hadley zog nach seinem Dienst im Zweiten Weltkrieg nach New York City, wo er an der Parson’s School of Design studierte und unterrichtete. Bekannt wurde er durch seinen modernisierten Dekorationsstil, seinen instinktiven Gleichgewichtssinn und das, was zusammenarbeitete. Er kreierte gekonnt berauschende Mixe von Designstilen mit einem Mantra, das sich um die Idee von „nie weniger, nie mehr“ dreht.

Auf der Suche nach einer Art Partner mit mehr technischem Talent als dem Instinkt, der ihre Karriere definierte, holte Schwester Parish 1962 Hadley in ihr Team. Parish-Hadley Associates gestaltete jahrzehntelang die Häuser der amerikanischen Elitefamilien neu und ist am besten dafür bekannt, die Lebenden neu zu dekorieren Viertel des Weißen Hauses von Kennedy sowie die Privathäuser der Familie Kennedy. Nach dem Tod von Parish arbeitete Hadley weit über seine Mitte der 80er Jahre hinaus an Projekten, die eine interessante Mischung von Designstilen enthielten, wie sie kein anderer Designer seiner Generation hatte.

Dorothy Draper

Innenarchitektur Geschichte Dorothy Draper

Dorthy Drapers Entwürfe waren lange Zeit als Coco Chanel der Dekorationswelt bekannt und furchtlos lebendig, üppig, fröhlich und voller Persönlichkeit. Die von ihr entworfenen Räume hatten entweder eine zurückhaltende Farbpalette aus klassischem Schwarz und Weiß, während andere übergroße grafische Muster und ihre ausdrucksstarken Technicolor-Kombinationen aus Rosa und Grün, Türkis und Zitrusfarben hervorhoben. Als Cousin der Schwestergemeinde war Draper der erste dokumentierte kommerzielle Innenarchitekt, der 1923 das erste offizielle Innenarchitekturbüro, Architectural Clearing House, gründete.

„Fast jeder glaubt, dass [Innendekoration] etwas Tiefes und Geheimnisvolles hat oder dass man alle möglichen komplizierten Details über Perioden wissen muss, bevor man einen Finger rühren kann. Nun, das tust du nicht. Dekorieren macht einfach Spaß: Freude an Farbe, Gleichgewicht, Bewusstsein für Licht, Sinn für Stil, Lebensfreude und amüsierte Freude an den intelligenten Accessoires des Augenblicks “, schrieb sie in ihrem Buch von 1939 Dekorieren macht Spaß!

Draper wurde 1960 zur einflussreichsten Geschmacksmacherin in Amerika ernannt und verlieh mehreren legendären Gebäuden, darunter dem Speisesaal des New Yorker Metropolitan Museum of Art, den Hotels Fairmont und Mark Hopkins in San Francisco, ihren legendären „modernen Barockstil“ , eine komplette Überholung des Greenbrier Hotels in West Virginia – das über 70 Jahre später immer noch wie eine Johannisbeere aussieht.

David Hicks

David Hicks Innenarchitektur Geschichte

David Hicks, ursprünglich freiberuflicher Werbeillustrator in London, startete seine Karriere als Dekorateur, nachdem eine Zeitschrift über die bahnbrechende Überarbeitung seines Elternhauses berichtet hatte.

Hicks brach die Form und widersprach traditionell stickigen und anspruchsvollen englischen Dekorationspraktiken und wurde ein Meister unerwarteter, aber zusammenhängender Mischungen. In seinem vielseitigen Interieur standen oft wilde Farben, Muster, Erfindungen und Designstile nebeneinander, die verführerisch und beeindruckend waren.

Zu seinen bemerkenswertesten Projekten gehörten Zimmer für Prinz Charles und Prinzessin Anne sowie ein funkelnder Nachtclub auf einem Ozeandampfer und einer Yacht für König Fahd von Saudi-Arabien. In den 1970er Jahren begann Hicks mit der Herstellung von Tapeten, Stoffen und Bettwäsche für seine Designboutiquen in acht Ländern.

Billy Baldwin

Billy Baldwin Innenarchitekt

Obwohl er für seine umfassende Herangehensweise an die Innenarchitektur gefeiert wurde, verabscheute Billy Baldwin den Begriff „Innenarchitekt“ und entschied sich dafür, als „Dekorateur“ bezeichnet zu werden, seinen bevorzugten Titel. Er glaubte, dass ein Zimmer mit guten Knochen ein Top-Grundsatz ist, wobei Qualität und Komfort der Schlüssel sind.

„Ich habe immer geglaubt, dass Architektur wichtiger ist als Dekoration. Größe und Proportionen sorgen für ewige Befriedigung, die nicht nur durch Zuckerguss erreicht werden kann “, sagte er.

Sein Interieur war klar und makellos, und im Gegensatz zu seinen Zeitgenossen arbeitete er mit den vorhandenen Möbeln des Kunden und nutzte sie instinktiv neu. Von einer bemerkenswerten Auffrischung von Cole Porters Waldorf Towers-Apartment über Jackie O’s Skorpios-Anwesen bis hin zu Diana Vreelands reich geschichtetem rotem Wohnzimmer in der Park Avenue war die akribische Aufmerksamkeit für Größe und Proportionen eine treibende Kraft für Baldwin. Ein Überblick über Baldwins Arbeit, ein Meister der praktischen Dekoration, der mit kräftigen Farbtönen, Drucken und einer gut beurteilten Kuration versehen ist, zeigt, wie relevant seine Arbeit bis heute ist.

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About Chloe Christiana Barlow

Chloe Christiana Barlow is a 31 years old gym assistant who enjoys painting, planking and camping. She is entertaining and considerate, but can also be very boring and a bit evil.She is an Italian Sikh. She started studying sports science at college but never finished the course. She is allergic to gluten.

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